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Por Darío Tobes Editar

Historiador del Arte- Becario en El Centro Cultural España- Córdoba



El sistema wiki es un modelo democratizador de transmisión y actualización de conocimientos mediante un sistema colaborativo que genera al mismo tiempo espacios de encuentro y de discusión. Desaparece así la mano legitimadora que, consciente de la imposibilidad de ser rebatida, se otorgaba el poder de la palabra desde un status hegemónico.

Atrapado por este concepto, decidí aplicar el fenómeno Wiki en un contexto más tangible y analizar por qué las artes visuales niegan la común participación en sus procesos. Intentaré contrarrestar una postura crítica mediante la presentación de casos prácticos que demuestran como los proyectos “inclusivos” generan un mayor impacto cultural, social y económico que aquellos regidos desde el aislamiento institucional.

Para mostrar los obstáculos que se nos presentan hoy día en la gestión cultural a la hora de intentar convertir el arte en una herramienta útil para la creación de un sistema más justo y participativo, parto del concepto del “antimuseo” desarrollado por El Ojo Atómico, Asociación Cultural Antimuseo de Arte Contemporáneo de Madrid.


El arte es el fruto de un proceso globalizado por el cual, quienes dominan las reglas del mercado, logran imponer sus propios criterios. Esta posición de privilegio está reservada a los grandes centros de arte, galerías, ferias o bienales que, desde el status hegemónico al que hacía referencia, marcan los designios artísticos y creativos. La fórmula para entrar en este círculo de influencia, en cuanto a las políticas culturales se refiere, consiste en concentrar todos los esfuerzos en un único megaproyecto que genere la suficiente visibilidad. Sin embargo Esta estrategia supone la imposición de un pensamiento de tipo exclusivo que no representa al común de la sociedad y que empeora aún más cuando se diseña en base a condicionamientos políticos, sociales u económicos, pasando a convertir el proyecto en la imagen de marca de la gestión de turno.

La apuesta única por grandes iconos culturales no cubre las necesidades de todos los sectores en una sociedad como la de hoy, que no solo se estratifica por edades, sexo o condiciones sociales, sino que nunca había sido tan diversa en sus culturas, modos y estilos de vida. Una red de pequeños centros culturales repartidos en un entorno urbano, que identifique al grueso de la sociedad no es políticamente rentable. Se necesitan grandes espacios que generen un fuerte impacto mediático en favor de un mayor rédito político y comercial dentro del circuito.

Ante esta situación, el creador se concibe como un mero productor de objetos al servicio de estos centros de exhibición. La exigencia por generar “marcas” lleva a un individualismo que concentra al artista en el diseño de un producto fácilmente identificable que pueda ser comercializado y posteriormente absorbido por la sociedad, generando un círculo vicioso que elimina cualquier posibilidad de pensamiento complejo o sistema Wiki.

No quiero decir con esto que el trabajo artístico esté obligado a abrirse a un proceso participativo. Dias y Riedweg aciertan de lleno al decir que el arte debe ser una experiencia absolutamente individual, pero que se hace más intensa cuando parte de una base colectiva. Tampoco rechazo en absoluto el concepto museístico de espacio. Considero que existe un tipo de obra que necesita de ellos y no solo por meras razones técnicas, sino porque todavía creo en el museo como un lugar de encuentro, de reflexión y de intimidad con la obra.

Únicamente apelo a la búsqueda de nuevas aventuras espaciales, creativas y de gestión que se salgan del solemne aburrimiento generado por la pasividad y la exclusión forzosa del sistema actual.


Bienal de Liverpool Editar

Sin embargo, y como comentaba al inicio de este apocalíptico discurso, todavía existen propuestas que miran hacia el entorno que nos rodea conscientes de sus enormes posibilidades. Gerardo Mosquera es uno de esos curadores que rompe con proyectos que se comprometen con nuestra cotidianeidad. De entre sus trabajos destaco la Bienal de Liverpool de 2006 en la que se relacionó directamente la obra con el contexto. Su trabajo curatorial se centró en hacer una revisión histórica entre Liverpool y Latinoamérica. Cada artista fue magistralmente emplazado en lugares históricos de la ciudad pero siempre haciéndolos interactuar con el significado específico que identificaba a cada uno de ellos. Así, la artista brasileña Adriana Varejão cubrió con baldosas de estilo barroco portugués la base de la columna del Wellington Memorial y en cada una de ellas representó toda una colección de plantas alucinógenas que se cultivan en su país. Resulta chocante encontrar estos elementos en un monumento de tanta solemnidad, sin embargo el verdadero significado de esta acción estaba cargado de connotaciones históricas. La estética barroca nos remontaba al pasado que une a Brasil con Portugal y en el que Inglaterra jugó un papel fundamental, mientras que los diseños hacían referencia a la cultura indígena, ya que algunas de estas plantas son usadas en ritos tribales.

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A su vez el portugués Rigo 23 enjauló los leones del St George Hall parodiando un símbolo que en todas las culturas había significado dominio y poder. Con esta simple acción Rigo había conseguido poner en duda toda la nobleza que había contenido esta imagen a lo largo de la historia de la iconografía.

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En ambos casos es importante tener en cuenta que las emociones de cada observador variaban en función de su relación con el entorno. La angustia de quienes habían admirado a diario estas esculturas -y que ahora se daban cuenta de la fragilidad de un símbolo aparentemente atemporal-, no es la misma que la de quienes visitaban por primera vez el lugar, cuya reacción seguramente fue más distendida.

Ron Haselden Editar

En ocasiones la misma sociedad pasa incluso a formar parte del proceso de creación. En el año 2007 se me invitó a colaborar en la coordinación de la intervención que Ron Haselden había diseñado para la noche en blanco. El proyecto consistía en iluminar cada una de las más de 400 ventanas del Edifico España, mientras que decenas de voluntarios cambiarían simultáneamente el color de cada uno de los focos de luz para lograr una sucesión de imágenes que se proyectarían en la fachada desde el interior.

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En este caso la participación y el trabajo grupal fueron la base del proyecto. Se precisaron reuniones previas multitudinarias entre el propio artista, coordinadores y voluntarios para propiciar un dialogo que generase propuestas en beneficio del propio proyecto. El emplazamiento era también otro importante vínculo que nos identificaba a todos como grupo. Se trataba de un espacio con una gran carga simbólica; El edificio España era uno de los primeros rascacielos de Madrid, testigo privilegiado de la expansión urbana, que había caído en el olvido tras cumplir una última etapa como Shooping y lugar de oficinas para grandes empresas.

El objetivo final no fue buscar una perfecta ejecución. Si el artista hubiera querido se podría haber hecho mecánicamente sin necesidad de voluntarios, sin embargo al añadir el factor humano se había asegurado crear una obra única que no podría ser repetida en ningún otro espacio. En ocasiones en este tipo de intervenciones efímeras el registro se convierte en la propia obra, pasando a comercializarse. En la intervención de Ron solo quedaron los registros que el público había tomado, que al no haber sido producidos por el propio artista, perdían su aura desapareciendo el valor comercial del mismo. Ni siquiera se pudo sacar rédito de las imágenes que se seleccionaron para ser proyectadas ya que fueron creadas por niños a través de una convocatoria.

Retrátate y mírate Editar

Los casos presentados tienen el espacio urbano y la obra/intervención como eje común, lo cual podría limitar mi discurso. Por esta razón voy a mostrar un último ejemplo que implica un mayor carácter de permanencia en cuanto al tipo de producción y concepto expositivo.

Photoespaña abrió su edición del 2008 con la muestra colectiva “Retrátate y Mírate”. Para este proyecto se invitó a los madrileños a ser retratados por 6 fotógrafos consagrados; Ricardo Cases, Amy Chang, Luis de las Alas, Sofía Moro, Marta Soul y Miguel Trillo. Más de 500 personas fueron fotografiadas, de las cuales se seleccionaron 130 obras. El emplazamiento para la muestra volvía a ser parte importante del proyecto; el depósito de agua de Plaza de Castilla, bien de interés cultural, había sido parte importante del paisaje urbano de Madrid y hasta el día de la inauguración nunca antes se había podido visitar. Las fotografías se presentaron colgadas a diferentes alturas y algunas de ellas se asomaban al exterior por los vanos del depósito.

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En todas estas aventuras Wiki la rentabilidad cultural es evidente; El artista pudo elegir un contenedor a medida y lo manipuló a su antojo para crear una obra que identifico a toda una comunidad, convocando a su vez multitud de visitantes que generaron cientos de registros audiovisuales libres que todavía hoy circulan y se multiplican en la red. Son proyectos que definen nuestra identidad, procesos individuales pero no individualistas que no actúan de manera excluyente y que escuchan el contexto hacia el que se dirigen.


La modernidad es el momento en que "no es el arte el que imita la vida, sino la vida la que imita el arte". Oscar Wilde

Referencias Editar

  • www.elpais.com/articulo/arte/Entendemos/arte/subversion/cultura/elpepuculbab/20090502elpbabart_1/Tes [5]
  • www.ojoatomico.com/ [6]
  • www.biennial.com/ [7]
  • www.ronhaselden.com/ [8]
  • Un lugar bajo el sol. Los espacios para las prácticas creativas actuales. Revisión y análisis. CCEBA-2008. (Ed. Nekane Aramburu)
  • Estética relacional. Nicolás Bourriaud.Colección Los sentidos/artes visuales. Adriana Hidalgo Editorial, 2006.
  • Performance, fotografía y video: La dialéctica entre el acto y el registro. Rodrigo Alonso. Publicado en: CAIA. Arte y Recepción. Buenos Aires: Centro Argentino de Investigadores de Artes. 1997.

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